Fotos: Archivo.
Foto La Buena Vida: Javier Rosa.


El Festival Metrorock, que se celebrará los días 24 y 25 de junio en Madrid, cuenta con la ubicación en el Parque Juan Carlos I que, por su extensión y moderno diseño, es uno de los más relevantes parques de Madrid. Sin duda, el mayor de los nuevos parques de la capital (161 hectáreas) es un claro ejemplo de zona verde de diseño contemporáneo, con abundantes elementos constructivos y fuentes de agua.
Ha sido la masiva respuesta de los jóvenes al Festival la que ha provocado que este haya tenido que dejar su ubicación tradicional, las estaciones de Metro, por espacios abiertos con mayor capacidad de aforo.

Precisamente los dos escenarios (Metrorock y Verde) se han trasladado al aire libre para evitar las altas temperaturas del auditorio. Este cambio redunda en una mayor comodidad para los asistentes. Además de estos dos escenarios habrá una zona de Dj´s, zonas de restauración, etc.

Metrorock siempre se ha caracterizado por su carácter "local" y en este sentido sigue sumando artistas nacionales al cartel con las propuestas más interesantes de la actualidad:

Viernes, 24 Junio

Bebe, Amparanoia, O´Funk´illo, Los Delinqüentes, Zuco 103, Muchachito Bombo Infierno, Elefantes, Sidonie, Atom Rhumba, Standstill, Maike Lüdenbach, Frida, La Pulqueria, Xperimental Shop...

Sábado, 25 Junio

Beck, Morcheeba, Savia, La Buena Vida, La Habitación Roja, The Sunday Drivers, Nacho Vegas, Siniestro Total, Josele Santiago, Def Con Dos, Sugarless-Planet, Kannon, Renochild, Intwine, The Garb...
ha sido cancelado el concierto de Ani Difranco, previsto para el viernes 24.

Entradas:

El precio por día es de 25 € y el abono de dos días es de 43 €. Pero si presentas tu abono transportes y tu DNI obtendrás un descuento de 10 €, es decir, el abono se queda en 33 €.
El precio de un concierto para poder disfrutar de un festival.

Accesos:

Coche: M-40, salida número 7, Nacional II, (Gran Vía de Hortaleza) A-10.
Metro: Línea 8 (Estación Campo de las Naciones).
Autobuses: 122, 112, 104 EMT

Un poco de historia:

Metrorock comienza su andadura en el año 2000 cuando Domingo J. Casas (conocido fotógrafo musical) y Roberto Azorín (ex director de Radio como Vinilo, Cadena Top, Radio Cocodrilo y Director de programas de Radio 4) deciden aunar ideas y hacer una exposición de fotografía con los mejores fotógrafos musicales de este país, que capturaron con sus cámaras imágenes inolvidables de los músicos de Rock (Bunbury, Freddie Mercury, Bowie, Ramoncín, Secretos, Iggy Pop, Bono...) con actuaciones en directo.
Esta exposición con conciertos se pasó a llamar Fotorock, debido al interes que por parte de Metro de Madrid y Comunidad de Madrid mostraron por la idea desde un primer momento.

La primera exposición de Fotorock se desarrolló en las estaciones de Nuevos Ministerios y Mar de Cristal, esta última sede de los conciertos de la muestra y parte de la exposición fotográfica de la misma en los andenes. Esta primera muestra contó con una buena aceptación por parte del público que veía como cosa extraña la celebración de conciertos en un andén de Metro.

Aquellas primeras ediciones de Fotorock , que comenzaron a captar la atención de los jóvenes de Madrid y que llegaron hasta el año 2002 en escenarios montados para la ocasión desde Mar de Cristal hasta Príncipe Pío, por la cual pasaron artistas de la talla de Amaral, Sôber, Raimundo Amador, Javier Alvarez, Miguel Rios, Obús, Luis Eduardo Aute, O´Funk´illo, La Frontera, Frank T, La Excepción, Red House, entre otros que consiguieron abarrotar los andenes de Metro.

Roberto Azorín decide junto con la dirección de Metro de Madrid y con la incorporación de Ramón Martín, manager artístico y productor de ediciones anteriores, dar un giro a lo que comenzó siendo sólo exposiciones de fotos de fotógrafos de los diferentes medios gráficos a realizar un nuevo concepto de exposición que paso a llamarse "25 Años de Música en Madrid" y que combinaba carteles de los conciertos emblemáticos que pasaron por la capital, con colecciones de entradas de los mismos.

Artistas como Bruce Springsteen, Sex Pistols, Barón Rojo entre otros, carteles de conciertos al igual que entradas que jamás llegaron a tener lugar se sucedían en los pasillos de Nuevos Ministerios y Príncipe Pío en el último año que Metrorock tuvo como cita obligada de conciertos la estación de Príncipe Pío, donde se llegaron a congregar alrededor de 10.000 jóvenes en la bandeja que se localizaba entre las estaciones de metro y Cercanías de Renfe.

Este último año de Metrorock dentro del Metro, tuvo las actuaciones y parte de la exposición en Príncipe Pío y el grueso de la exposición en Nuevos Ministerios, donde a parte de la cartelería y entradas enmarcadas se colocó una gran pantalla donde se proyectaban los vídeos más conocidos de los años 80 tanto de artistas nacionales como internacionales.

Debido a la repercusión en prensa, radio y televisión de la convocatoria y por supuesto a los artistas que pasaron por el escenario Hamlet, Astrud, Sexy Sadie, Sex Museum, Cultura Probase, Celtas Cortos...nos vimos obligados a buscar una localización al aire libre y en una fecha más veraniega para la primera experiencia fuera del Metro de Madrid, 25 y 26 de Junio, el sitio: La explanada del Lago de la Casa de Campo, allí lanzaron toda la artillería para que el festival fuese un éxito más grande que en anteriores ocasiones.

Artistas como Sôber, Macaco, Las Niñas, Sfdk, Alex Sintek, Mürfila, O´Funk´illo, Violadores del Verso... llevaron en 2 días a congregar a más de 26.000 personas. La exposición retrospectiva con carteles y entradas recaló esta vez en la estación de Metro del Lago de la Casa de Campo.

Año tras año gracias al apoyo inestimable de Comunidad De Madrid, Ayuntamiento de Madrid, Metro de Madrid, prensa y público nos vemos obligados a ir más lejos y este año laorganización espera sorprender con un nuevo Metrorock cargado de sorpresas artísticas, nacionales e internacionales.

Metrorock se ha hecho mayor y en esta nueva convocatoria del 2005 seguirá creciendo para convertirse en el primer Festival de música independiente de la capital y en una nueva referencia de los festivales que se realizan en nuestro país.

Metrorock 2005 pretende seguir conectando con las preferencias musicales de la gran mayoría, y ser punto de encuentro de los jóvenes de toda la geografía nacional amantes de la cultura musical.

La coordenada artística en las que se mueve Metrorock como festival de música independiente es la combinación de artistas nacionales de reconocido prestigio, junto con algunas de las propuestas mas sugerentes del panorama internacional, ofreciéndose también un espacio para los nuevos valores musicales.

Algunos grupos y artistas destacados de esta edición:

Beck:

Su verdadero nombre es Beck David Campbell, adoptando el apellido materno cuando sus padres se separaron. A los 16 años dejó la escuela para dedicarse de lleno a la música y dos años después ya grababa sus canciones de manera casera para amigos y tocaba en bares de la zona. En 1989, Beck se desplazó a Nueva York, donde entró a formar parte del movimiento anti-folk del East Village al que se unió entre otros a Michelle Shocked, aunque más tarde regresó a Los Ángeles. Por esa época, Beck comenzó a grabar demos multi-pista, una de las cuales llegó a manos de Tom Rothrock de la discográfica Bang load Records quien le puso en contacto con el productor Karl Stephenson, en cuya casa empezó a grabar canciones como 'Loser'. Este tema tubo tal éxito que las grandes compañías discográficas iban detrás del artista y finalmente Beck fichó por Geffen Records. Antes de reeditar el single, la compañía Sonic Enemy publicó en 1993 la cinta de 'Golden feelings', la primera grabación que realizó Beck y que contenía diecisiete canciones.En 1994, 'Loser' llegó al puesto número 10 de las listas americanas, y el álbum 'Mellow Gold' consiguió el apoyo total de la crítica especializada llegando a vender 500 mil copias y consiguiendo el lugar número 13 en los top ten. El nombre de Beck empezaba a ser muy conocido y el artista aprovechó la ocasión para lanzar el single 'Beercan' que no destacó demasiado en las listas.Al cabo de un tiempo apareció 'Stereopathetic Soulmanure' su segundo trabajo bajo el sello independiente Flipside Records que obtuvo grandes críticas a su favor pero que sin embargo no consiguió grandes ventas. A éste le siguió otro álbum de sello independiente esta vez para K Records llamado 'One Foot on The Grave' que corrió la misma suerte en ventas. Tras estos dos trabajos al margen de Geffen Records Beck edita 'Odelay' en 1996. Ésta vez, el álbum se convierte en un gran éxito incluso ganando un galardón en los MTV. Los singles 'Where it´s At', 'Devil´s Haircut' y sus respectivos videos, llevaron a Beck al súper estrellato definitivo. Además, su discográfica le ofreció producir su siguiente álbum 'Mutations', que estaba previsto para salir bajo el aval de un sello independiente. En 1999 le siguió el trabajo 'Midnite Vultures' que obtuvo el mismo éxito que sus últimos discos.
Su nuevo disco, "Güero". Hace tres años, Beck nos ofreció, como ya hiciera en 1998 con Mutations , un disco íntimo, acústico, oscuro y que ocultaba por completo la vena lúdica y más loca de este niño eterno de Los Ángeles. Aquello se llamaba Sea Change.
Hoy Beck vuelve a la carga acompañado de los Dust Brothers y vuelve a lo grande, con ese sonido que revolucionó a toda la escena mundial hace algo más de diez años, en plena resaca post-Seattle.
Dueño de un sonido tan reconocible como imitado, Beck Hansen siempre ha sabido rodearse de la gente apropiada en cada momento. Esta vez en su banquillo se sientan Jack White de los omnipresentes THE WHITE STRIPES, Justin Medal Johnston de MEDICINE y Joey Warnoker de los seminales WALT MINK y SPAIN.
Pocos artistas de multinacional quedan que sean tan independientes en la forma de hacer, de actuar y de pensar que Beck. Pocos con la capacidad de este rubio para ver más allá y rescatar sonidos del pasado para escribir el futuro.
Este disco no pasará desapercibido. Tiene la suficiente descarga de emociones, de magia, de momentos inéditos hasta la fecha en la carrera de Beck (la canción que da el título al disco está cantada en perfecto spanglish) y de buenas canciones como para tener entre manos un serio candidato a estar muy arriba en las listas de lo mejor del año cuando acabe el 2005.
Hay pocos artistas en el mundo que puedan hacer lo que les de la gana sin dejar de ser ellos mismos. Y Beck, sea como sea, nunca deja de ser Beck .

Morcheeba:

Si My Bloody Valentine, Sonic Youth, David Axelrod o Jefferson Airplane son los actuales referentes musicales de los hermanos Ross y Paul Godfrey, productor y compositor respectivamente, responsables del éxito mundial de MORCHEEBA, es evidente que algo ha cambiado. Fueron arquitectos del downtempo, pioneros del chillout. Su combinación de soul, hip hop y blues, con toques de música country y electrónica, definió un género y se convirtió en sinónimo de espectaculares puestas de sol.
Pero luego de cuatro albums, algo había erosionado a MORCHEEBA. La excitación se había esfumado. Ni siquiera podían dejarse llevar por la inercia. Estaban estancados. A Paul y Ross, agotados de las giras y lo que implicaban, ya se les hacía duro incluso pensar en la idea de trabajar juntos. La cantante Skye Edwards estaba igualmente frustrada e incómoda con la situación y decidió dedicarse a su proyecto solista. Pero cuando el sello East West, inexplicablemente, decidió librarlos de su contrato, estaba claro para todos que había llegado la oportunidad para ponerle fin a esa situación. Los hermanos Godfrey y Skye decidieron separarse de común acuerdo. Paul se sumergió en el mundo del hip hop con su proyecto Capricorn 2. Ross se enfocó en su nueva banda The Jukes, satisfaciendo su amor por el vintage rock y produciendo sencillos para su sello propio, 27 Records.
Antes de que pudieran darse cuenta, la disolución de aquella sociedad se transformó en un alivio, en una oportunidad para comenzar de cero. Y lo hicieron; de una manera en la que nunca antes había sido posible para ellos. Se han probado a sí mismos -una vez más en su trayectoria- que están hechos de la madera adecuada.
Comenzaron a grabar en estudio el disco que siempre quisieron, sabiendo que podían hacerlo. No contar con Skye no era el fin de la historia a pesar de ser la percepción del público; MORCHEEBA era la criatura de Paul y de Ross (...un adolescente de muy mal carácter, como ellos mismos dicen).
Ni bien escucharon a Daisy Martey supieron que ella era a quien estaban buscando; ya estaban listos para volver. Daisy, vocalista de Noonday Underground, sintonizó inmediatamente con los hermanos y aportó carácter y un enfoque novedoso. Antes de que pudiera darse cuenta, se había convertido en la nueva cantante de MORCHEEBA. Sin un sello discográfico que los apoyara, la nueva aventura se convertía en un riesgo; e hipoteca mediante, obtuvieron el préstamo que les permitiría sacar THE ANTIDOTE.
Una vez tomada la decisión, no tuvieron dudas al respecto; tenían mucha confianza en el proyecto. Haber luego firmado para Echo Records, donde trabaja mucha gente que había acompañado a MORCHEEBA en sus comienzos, parecía confirmar que la decisión era la correcta.
THE ANTIDOTE es un salto evolutivo en la historia de MORCHEEBA, no hay dudas al respecto. Eso si, quienes hasta ahora relacionaron a la banda con ambientes relajados deben actualizarse, lo quieran o no. Fuera de cualquier otro comentario, la banda suena muy, pero que muy bien. Obviamente no se trata de rock (en el sentido tradicional del término), pero se prescinde casi totalmente de baterías electrónicas, se opta por la instrumentación "pura" y encontramos arreglos verdaderamente audaces, nuevas ideas que vienen de la mano de una nueva sensación de libertad. Es MORCHEEBA, no hay duda, y las influencias de My Bloody Valentine y Sonic Youth son improbablemente detectadas por la mayoría (aunque el homenaje a David Axelrod es evidente y algunos gestos propios de Grace Slick pueden resultar hasta tóxicos).
Pero es una nueva banda, no sólo una nueva vocalista. Después de años de transformación hasta llegar a ser una auténtica "máquina musical", MORCHEEBA nos presentaTHE ANTIDOTE.
No olvides tomar tu medicina...

Atom Rhumba:

Atom Rhumba lo han conseguido! La etiqueta de "promesa" que tantos medios han colgado sobre la banda bilbaina, que siempre los ha querido ver como la salvación del rock en nuestro país y que desde los tiempos de "Dirt Shots" les viene catalogando como "una de las mejores bandas del estado" se ha quedado completamente obsoleta con "Backbone Ritmo": Atom Rhumba no son ya una promesa. Son la sucia, cruda, vibrante e infecciosa realidad. Backbone Ritmo es la demostración de que la banda ha superado toda etiqueta y categoría posible, toda influencia antaño reconocida (ya sabes: Blues Explosion, Gories...), y se ha dedicado a hacer lo que mejor sabe: rock and roll. El ritmo del espinazo. El espinazo del diablo. El ritmo infeccioso y puro del mejor rock and roll.
Los tres largos años pasados desde el lanzamiento de Chasin' The Onagro, los cientos de conciertos incendiarios por toda la península y por el resto de Europa (con mención especial a Francia, donde los bilbainos han cosechado toda suerte de elogios tanto en disco como en directo) han tenido su recompensa. Una recompensa sencilla: tocar cada vez mejor, componer temas como no compone nadie en este país y dejarse la piel en cada canción. Sí, Atom Rhumba lo han conseguido: por fin han grabado aquello que todos los fans y toda la prensa del rock, depositando en ellos una fe más que justificada, les estaban pidiendo a gritos: simplemente, grabar el mejor disco de rock aparecido en nuestro país en muchos, muchos años. Un disco que puede mirar por encima del hombro a cualquier lanzamiento internacional en el presente año. No hablamos ya de una de las mejores bandas de nuestro país: hablamos de un grupo que tiene pocos rivales actualmente en todo el globo.
Backbone Ritmo ha sido grabado en Bilbao, bajo la batuta del omnipresente Kaki Arkarazo (apartándose con valentía de la senda que les trazó Mick Collins en el disco anterior para hacer algo propio y libre de influencias reconocibles), y como es su costumbre, grabado en directo y a primera o como mucho segunda toma. Como se graban las obras que exudan visceralidad. Enchúfate, pon el volumen alto y TOCA. Algo que no es óbice para que este disco deje a su propio Onagro muy atrás en cuanto a experimentación, riesgo y variedad. Kaki ha conseguido un increíble sonido, lleno de groove pero al tiempo rico en matices y aristas. Un gran acierto.
La apertura, Constant Deja Vú, es un auténtico hit al que el increíble saxo y el vibráfono dan un aura deliciosamente soul; el perfecto antídoto contra la exasperante rutina a la que hace referencia el título. Gone -primer y perfecto single- y Eskimo Bones, dos temas directos y bailables, dejan todo patas arriba. Es imposible escuchar esta triada inicial y no rendirse al entusiasmo anfetamínico que desprende Backbone Ritmo. Pero queda mucho más.
La primera cara se cierra con Take Your Time, un urgente ritmo funky que revela el gran gusto y la preciosa discografía que Atom Rhumba deben tener en casa, con aires que evocan a la par a Curtis Mayfield y a Funkadelic; y Satin Breakdown, grabada completamente en directo. En sólo 5 temas, Atom Rhumba han dejado claro que todas las esperanzas depositadas en ellos pecaban, en todo caso, de prudencia.
La segunda cara se abre con una explosión de violencia y caos que deja en pañales a John Spencer: New Kind of Virus, tema de clásica marca Rhumbera. Sigue One Bit Memory, un tema especial tanto por su instrumentación y enfoque como por los invitados que acompañan al cuarteto de Bilbo: Josetxo "Bicho" Ezponda, autor de la letra, y Hendrik Röever de los fabulosos Del-Tonos que añade una exquisita pedal steel guitar y deja bien clara su pasión por Gram Parsons. Un tema rescatado de las garras de Hank Williams.
Y se finaliza con un trío de temas algo más experimentales que dan sentido a toda la progresión de Atom Rhumba: su gusto por huír de etiquetas, por explorar y explotar las conexiones y grietas de los diversos estilos musicales: una Beefhartiana Abstract Blues (¡incluso el título lo hubiera podido firmar Van Vliet!), Just Stop -quizás el tema más punk del disco, aunque con un tremendo solo de guitarra- y una exquisitez final llamada Cowboy Fly, con vibráfono y sierra melódica. Inclasificable.
¿El mejor disco de Atom Rhumba? ¿El mejor disco de rock del año? Hay muchas otras preguntas que puedes hacerte, pero la respuesta está en sólo 10 temas: escucha y disfruta.

Ocean Colour Scene:

La semana que su álbum 'Marchin Already' fue número 1 de las listas de éxitos, arrebatándole el puesto a OASIS, Noel Gallagher tuvo la gentileza de hacer llegar su felicitación a Ocean Colour Scene enviándoles una placa con la inscripción: "Para la Segunda Mejor Banda del Reino Unido."
"Y ya que The Beatles son la primera mejor banda del Reino Unido", el vocalista y compositor, Simon Fowler, comenta entre risas que "fue muy amable por su parte." Ocean Colour Scene son una de las bandas que llevan más tiempo en el panorama musical del Reino Unido. En los cerca de quince años que llevan juntos, la banda ha visto de todo y ha pasado por todo - pobreza, rupturas, políticas destructivas de las compañías discográficas, modas, elogios e insultos de la crítica, éxitos arrolladores en las listas, desesperación, administradores, ¡y números 1 en las listas de éxitos!
De este modo, han colocado seis álbumes en las listas (está previsto el lanzamiento de un nuevo álbum en marzo de 2005, titulado "The Hyperactive Workout For The Flying Squad") y han visto cómo muchos de sus singles entraban en los Top 40. También han conseguido crear una de las bases de fans más leales del Reino Unido en la actualidad.
Ocean Colour Scene se creó cuando dos bandas, The Boys y The Fanatics, se conocieron y se transformaron en una sola. Ambas bandas eran de Birmingham, ambas habían lanzado singles independientes. The Boys eran una formación Mod liderada por el guitarrista, Steve Cradock, mientras que The Fanatics, que tenía en sus Simon Fowler, Oscar Harrison y Damon Minchella, se inspiraba en The Velvet Underground. Juntas, se convirtieron en Ocean Colour Scene. El nombre lo encontraron un día que pasaron en la biblioteca local, hojeando libros y diccionarios. El padre de Steve, Chris Cradock, se hizo cargo de las tareas de mánager.
En 1990, la banda firmó un contrato con un sello discográfico local llamado Phfftt Records (quizá deberían haber pensado en acompañar a la banda a la biblioteca aquel día), y al año siguiente lanzaron el single de debut de la banda, 'Sway', que recibió los elogios de la crítica, tanto local como nacional, que les colgó la etiqueta de...... "muy prometedores."
Justo entonces, Phonogram Records absorbió a Phfftt, como suele suceder con compañías así, y Ocean Colour Scene se encontró de pronto en el sello Fontana. Cuando los pusieron en el estudio con Jimmy Miller, el legendario productor de los Rolling Stones, la banda pensó que el sello era genial. Un año más tarde habían cambiado de opinión.
"Empezamos con Jimmy Miller", recuerda Simon, "que era un bebedor empedernido. Creo que fue una de las primeras ocasiones en las que fui a Londres y me quedé a pasar la noche. Era como decir: estamos en Londres con el productor de los Stones, ¿qué vamos a hacer?" El camino que decidieron tomar sacó a relucir la incompatibilidad entre el productor y la banda desde el punto de vista del trabajo, aunque se lo pasaron muy bien hasta que llegaron a descubrir esto.
Las sesiones con nuevos productores, como Tim Palmer o Hugo Nicholson, tampoco tuvieron mucho éxito. Cuando salió el álbum de debut de la banda, con título epónimo, parecía que su momento ya había pasado. "Salió dieciocho meses más tarde de lo que teníamos previsto", recuerda Fowler, "y para entonces nadie se acordaba de nosotros y todo el mundo estaba interesado en Nirvana. Además, no era nuestro sonido habitual. Era psicodélico, éramos nosotros tratando de conseguir los sonidos de las bandas que nos gustaban."

Standstill:

No era fácil la tarea para Standstill. Después de sacar su último y tan piropeado Memories Collector" (2002) y tras "The Ionic Spell" (2001), "The Tide" (1998) y el ep acústico "The Latest Kiss" (2003), han tenido la pelota en su campo durante casi dos años. Y nos la han vuelto a devolver. Ahora nos toca a nosotros, de nuevo, como con cada uno de sus discos, asumir una propuesta que primero sorprende y que a cada nueva escucha gana más sentido, como debe ser con cualquier grupo que intenta, una vez y otra también, explorar terrenos desconocidos y sin referentes claros.
La fórmula ha necesitado varios ingredientes que, esta vez, obedecen a niveles distintos. Las tan diversas influencias, que ya han ido mostrando en cada disco, se integran más a su música, llevándoles a un estilo cada vez más crudo y a la vez más cálido. Cada elemento está en su lugar: una base rítmica más simple y cada vez más sólida, con la batería y el bajo caminando juntos desde que empieza hasta que acaba el disco. Guitarras compenetradas y con riffs más que certeros. Acústicas, bases electrónicas y arreglos matizando con inteligencia. Y la voz, cercana y melódica, rota cuando ha de estarlo. Todo al servicio de las canciones, del conjunto, de una especie de música sorprendente, incómoda e incluso oscura, que podría estar tan cerca del rock más vanguardista como de la tradición de la música negra.
Por otro lado, el segundo ingrediente, y el que primero llega a nuestros oídos, es una voz que nos habla en nuestro idioma, que dibuja mientras canta; un pequeño mundo agridulce hecho de diez canciones, diez situaciones. "Reconstrucción" de algunos hechos destacados para dar una opinión, o sea, justificación". As' es como lo definen ellos en la última canción. Esta frase podría resumir el espíritu del disco, un auténtico ejercicio de sinceridad y coherencia en el que incluso se cuestiona el sentido de la existencia del grupo, hablando al oyente de tú a tú y siempre buscando los puntos en común, aquellos sitios inesperados donde todos podemos encontrarnos. El cambio de idioma representa un paso más en la coherencia de la banda, el mensaje y la actitud tienen un mayor peso, la creatividad ha fluido libremente y el resultado es un disco en el que la banda ha hecho exactamente lo que les ha dado la gana. Una vez más, han acertado.

The Sunday Drivers:

El directo del grupo está cosechando tan buenas críticas como el aclamado disco Los medios (tanto radio, como prensa y televisiones) alaban la calidad del grupo sobre el escenario. Pero hagamos un poco de historia...
La banda toledana nació a finales de 1999. Tras dos primeras maquetas "Demo" (dic. 2000) y "02", (dic. 2001), el sello Rock Indiana se fijó en ellos y les propuso la grabación de su primer álbum.
El disco, "Sunday Drivers", se publicó en julio de 2002, es un álbum excepcional, que ha cosechó elogios de toda la crítica musical nacional , y que les llevó a estar presentes en festivales (Espárrago, Poplandia, Lemon Pop, Viña Rock, Summer in the City...)
Durante ese año y el siguiente, The SUNDAY DRIVERS realizaron una extensa gira de presentación de su primer disco, llegaron por primera vez al Festival Internacional de Benicassim, fueron ganadores del Certamen de Jóvenes Artistas de C-LM, giraron junto con grupos internacionales de la talla de The Jeevas, Deluxe o Arlo.
En el mes de marzo de 2004, comenzaron en Madrid la grabación de lo que sería su magnífico segundo álbum: "Little Heart Attacks", que finalmente se publicó a finales de junio de 2004.
En este disco se han superado a sí mismos. Editado por Mushroom Pillow y con la producción de J.M. Rosillo (Deluxe, La Buena Vida, Marlango....) y los arreglos del galés Lyndon Parish, el resultado ha sido brillante.
El single "On my mind" ha contribuido a que el disco sea uno de los más vendidos en su lanzamiento. Lo escuchamos insistentemente en radio, televisión, y el video del tema . se repite en MTV , TVE , TELEMADRID ...
Ya el telediario de TVE les ha dedicado un par de espacios y les ha dado minutos tras abrir el Festival de Benicassim 2004 , también los noticieros de Antena 3, Telecinco, Telemadrid... Hasta ha sido incluido en la B.S.O. de la película recién estrenada "El juego de la verdad".
Este disco les ha hecho ser portada y reportaje principal de "El País de las Tentaciones" , siendo numero uno durante el mes de julio, además de mejor disco nacional para "Guía de Madrid" de ABC, destacado para "Metrópoli" del El Mundo , y reportaje y apuesta para el 2004 de las publicaciones musicales mas importantes como MondoSonoro , Rock de Lux , Bad Magazine , o Rolling Stone .
Hasta este momento, los conciertos tras la publicación del disco han sido un rotundo éxito... fechas como la presentación ante su público en el Teatro Rojas de Toledo, festivales como Alaquás, Miranda de Ebro o Benicassim de nuevo, expresan la buena acogida que ha tenido "Little Heart Attacks" en medios y público.
Este 2004 ha sido el gran año de THE SUNDAY DRIVERS , y su gira de conciertos (incluyendo el Festival de Rennes en Francia) de septiembre a febrero así lo demuestra.
Su éxito en Rennes ha sido impresionante, considerado por tres de los críticos oficiales del festival como el mejor concierto del Transmusicales, (donde estaban Beastie Boys, Kraftwerk, Dizzie Rascal, Hidden Cameras o Kassabian).
La guinda a este buen año para el grupo ha sido ser considerado Mejor disco Nacional 2004 (y portada) de la prestigiosa revista Mondo Sonoro. (..y entre los cinco mejores para Rolling Stone, País de las Tentaciones, Novedades , etc..)
En palabras de Chema Rey (Boulevar- RNE3): "Si 2003 fue el año de Deluxe, este 2004 será indiscutiblemente el año de THE SUNDAY DRIVERS".
En este principio de año 2005 además, han fichado por el sello francés Naïve , que edita"Little Heart Attacks" en toda Europa el 26 de abril de 2005.
De momento el single "On my mind" esta sonando continuamente en las principales emisoras de radio francesas ( France Inter, Europe 2, RTL2, y con el video en televisiones como Canal +, LC1, France 5 ...).
Como primera repercusión de esta edición, se presentan fechas en Festivales de Francia, ( JMD, ArtRock, Vieilles Charrues, Rock en Seine...) Bélgica ( Nuits de Botanique ) y Portugal.

Kannon:

El colegio fue el punto de partida de Kannon, aunque en este comienzo no estaban todos los miembros que componen hoy el grupo; era septiembre de 1997 cuando a Vicente (Cody Mc) se le ocurrió la idea de formar un grupo con amigos que compartieran su afición por la música. De esta forma, cuatro de los que son hoy componentes de Kannon, (Vicente, David, Uka y O) abandonaron sus ensayos en un trastero para alquilar un local y comenzar a componer, al mismo tiempo que tocaban versiones.
El último en incorporarse fue Juan, que se unió en abril del 98. Con la actual formación ya completada Kannon comenzó a dedicarse más a fondo a su música, aunque seguían compatibilizando este aspecto creativo con versiones de grupos como Rage againts the machine, Biohazard, Bad Religion, etc.
Poco después Kannon cambió su local de ensayo habitual por otro ubicado en unos estudios de grabación de Vigo. Allí conocieron a Pablo Iglesias, productor que les dio la oportunidad de grabar su primera maqueta. Gracias a esta oportunidad, la potente música de Kannon pudo escucharse por primera vez en un recopilatorio de música viguesa, "Intoxicación" lanzado por el sello discográfico de Killer Barbies (Toxic Records).
A partir de este momento, las apariciones de Kannon en los medios se multiplicaron; hasta el punto de que uno de sus temas, "Ruido", fue considerado la mejor canción de rock en castellano de 1999 por Radio 3. Al año siguiente, la discográfica Zero Records fichó a Kannon con el objetivo de sacar su primer disco al mercado. El grupo comenzó la elaboración de los que después sería " De nuevo nunca ", una vez más con la ayuda de la producción de Pablo Iglesias en su estudio Mix Plus.
Con el disco ya en las tiendas, Kannon comenzó la promoción; su impactante directo los llevó de gira por toda España compartiendo escenario con diversos grupos de la escena española. Cabe destacar, la actuación en festivales tan importantes como el Festimad (tanto en el 2001 y como en el 2003), Viña-Rock y Derrame donde hicieron vibrar al público y conquistaron a la crítica.
En definitiva, Kannon logró hacerse un hueco en el panorama musical español con su primer disco y desde entonces se han sucedido otros grandes discos como " Imagina " o " Intro " en los que su música se ha enriquecido con múltiples influencias, colocándoles en un lugar privilegiado dentro de la escena rock estatal.
Ruido !!!

Josele Santiago:

Tras quince años facturando el mejor rock español, Los Enemigos se separaron con un disco en directo -"Canciones Escocidas 1985-2000" (Virgin, 01)-, un recopilatorio titulado "Canciones Escondidas" (Alkilo, 02) y una multitudinaria gira de conciertos.
El cuarteto madrileño ponía así el punto y final a una carrera que siempre siguió unos derroteros personales e intransferibles: rhythm and blues con denominación de origen (el capitalino barrio de Malasaña) y las mejores letras en castellano de la última década.
Y aunque inmediatamente después, Josele Santiago, líder y principal compositor de la banda, comenzó a actuar con el alias de Maestro Pocero, nadie nos advirtió de que su debut, en solitario y a su nombre, sería una obra maestra.
"Las golondrinas etcétera" (Virgin, 04), que así se llama, agota calificativos. Desde la atalaya de la experiencia, Josele Santiago anuncia su glorioso renacimiento toreando a la más asesina de las vidas, la del músico ("Ole Papa") propenso a toda clase de vicios ("Tragón") que abraza una madurez irreversible.
Los textos son una cumbre literaria. Buscando equivalentes próximos, podríamos hablar de Andrés Calamaro pero, como demuestra su versión de "Con las manos vacías" (Chavela Vargas), lo que mueve a Josele es la grandeza poética de la música popular, del blues al corrido mejicano pasando por el flamenco o el tango, y su adaptación al rock. En este sentido y más acompañado de una banda dirigida por Nacho Mastretta con geniales aportaciones del Ricardo Moreno (batería), Luca Frasca (piano y Hammond), Pablo Navarro (bajo) y el exGolpes Bajos Pablo Novoa (guitarras), canciones como "Viento del Sur", "Cuatro días" o "Borrico" remiten directamente a Tom Waits, Neil Young o Elvis Costello.
Y es que estamos ante un artista único que sabe imponer la calidad de lo verdaderamente diferente.

Maike Lüdenbach:

Sin prisas, por favor. Apresuremos un juicio rápido: una chica mona queriendo ser una estrella. Una chica mona más. Le daremos unos minutos de gloria, escucharemos su disco y pasaremos a otra cosa, que no hay tiempo que perder.
Pero por una vez parémonos a pensar un poco, no siempre hace daño. ¿Porqué una nueva discográfica apostaría todo por una simple chica mona?. ¿No hay suficientes chicas monas en el mundo como para no llamar la atención sólo por serlo?. ¿No es la monería un argumento soluble en el tiempo? Concedamos que la belleza no implica nada más que eso: belleza. No arriesguemos juicios, no establezcamos esas relaciones que tan automáticamente asocian futilidad, trivialidad y superficialidad a buena parte de las mujeres que nos sacan un palmo, o dos, son rubias y cantan. Dejemos tiempo y espacio al sentido común. Escuchemos el disco.
Directo, comercial, enérgico. Pop-rock de consumo con una espléndida factura. Una buena voz, brillante producción, trabajo hecho con mimo. Talento y canciones contagiosas. Una voz convincente y flexible, una artista con ganas de contar algo más que la mera intención de ser famosa. Guitarras con fuerza y arrojo, estribillos que no se deshinchan a la segunda escucha. Música comercial que reivindica su poder de contagiar alegría. Un disco de pop de esos que ayudan a mirar con otros ojos lo que pasa alrededor.
La chica mona. Que no sólo es eso. Nacida en Alemania, criada y crecida en Barcelona.
A los trece años ya viajaba por el mundo para trabajar de modelo. ¿Era su pasión?, no, era su trabajo, el necesario trabajo para no vivir de papá, para tener un grado de autonomía que sólo valoran en su justa medida quienes podrían vivir eternamente del trabajo de papi y mami. A los once años ya había cantado su primera canción, una versión de esa Laura Pausini que oía hasta la saciedad la chica que cuidaba a Maike.
Antes de cumplir los quince ya sabía que el mundo de las pasarelas no tenía tanto glamour como se veía en las revistas. Maike crecía deprisa. Desde niña quería cantar.
Más cosas. Antes de cumplir dieciséis años su voz llegó a un productor que la puso en la onda de los fabricantes de estrellas de Miami. Maike viajó hasta allí para grabar.
Estuvo tres meses viviendo entre hoteles, estudios, promesas y sesiones de grabación. El mundo se abría en todo el esplendor de un futurible éxito ante esta aspirante a estrella.
Cualquiera hubiera picado: fama y promesas, un pasaporte para la felicidad.
Maike dijo "hay dos formas de hacer música. Una es convertirte en un chicle que se mastica dos horas, deja un intenso sabor inicial y luego se convierte en goma insípida que se escupe. La otra es trabajar en la dirección que deseas, pelear por un triunfo menos inmediato y asegurar que el éxito dure algo más que el primer fogonazo".
Volvió a Miami a escuchar qué habían hecho los productores de la fábrica de muñecas rotas con las voces que había grabado. Se dio tanta pena, le gustó tan poco el resultado que Maike, recordemos que aún no tenía diecisiete años, decidió que conseguir así la fama no le merecía la pena. No quería ser sólo un producto con la fecha de caducidad escrita en la mirada.
¿Una simple chica mona?
Crisis. El sueño se alejaba. Por voluntad propia pero se alejaba. Volvió a Barcelona, se lamió las heridas, vivió de los ahorros de la época de modelo y siguió componiendo canciones. Grabó unas cuantas en un estudio, con unos amigos. Siguió creyendo que su sueño era algo más que el sueño pasajero de alguien que ha tenido la fama en sus manos. Se movió.
Se movió tanto que le llovieron muchas ofertas discográficas. Rechazó aquellas que querían convertirla en un chica mona tan alta que hay que mirar hacia arriba, rubia y que canta con minifalda. Le quedó una propuesta. La hacía una pequeña discográfica que empezaba con ella. En homenaje al nombre de la misma grabó una versión de "Vicious" de Lou Reed. Está en "Speak ur mind" su disco de debut.
En él también hay una pieza clásica que triunfaba en Alemania cuando Maike daba vueltas por allí, un "Girly girl" que vendría a ser un homenaje a sus raíces. Hay también eso que en la jerga de las discográficas se llaman "hits potenciales", canciones que se adhieren a la memoria rápidamente. Hay inglés y castellano, guitarras poderosas dando fuerza a canciones de pop escritas entorno a estribillos instantáneos, hay fraseos recitados, hay melodía, hay composiciones que podrían colar firmadas por rutilantes estrellas del pop. Hay trabajo realizado con seriedad. Hay tenacidad.
Hay una artista que se sabe también un producto de mercado. Hay una artista que no es una niña ingenua. Hay artista que de Madonna valora "haber sido capaz de combinar su faceta artística con la de empresaria". Hay mucha vida vivida en apenas 18 años.
Hay canciones. No apresuremos un juicio rápido. Por una vez no tengamos prisa

Bebe:

Bebe... curioso nombre para una cantante criada entre Zafra, Montijo, Mérida y Badajoz. El porqué de este particular ir y venir :sus padres... músicos, componentes del grupo de folk "Surberina". Y claro, ya se sabe que todo el día rodeada de instrumentos y musiquita, ponen al alcance de sus manos una guitarra a los once años y allá por el 1995 ya comienza su trayectoria como corista en el grupo "Vanagloria ".
Un año después marchó a Badajoz donde con su voz, sus propias canciones y su guitarra como únicos acompañantes se lanza a dar conciertos en una tierra en la que este tipo de actuaciones siempre es una sorpresa. Ese mismo año emigró a Madrid para empezar estudios de Arte Dramático. A los pocos meses, entró en el circuito de cantautores que tocaban por los bares de la capital (La Redacción, Libertad 8, El búho real,....) y en el año 2001 gana un concurso de cantautores en Extremadura.
BEBE es ya una realidad , y sus posteriores colaboraciones con Tontxu y en especial con Luis Pastor así lo demuestran. Comienza a actuar con banda sin dejar de lado sus actuaciones en solitario, pero está claro que tocar en directo con amigos enriquece de una manera muy especial (el Combo Linga y el tío Calambres son sus grandes confidentes en estos conciertos). Sus canciones van adquiriendo nuevos matices y contrastes... van creciendo más y más y cada vez les cuesta más limitarse al papel y las ocasiones en que BEBE se las canta a sus cada vez más numeroso seguidores en sus actuaciones.
Finales de 2003, llega el momento de materializar el sueño de todo compositor plasmando en un álbum todo aquello que impregna su vida y su música. Con el saber prodigioso de ese talento natural para la producción que es Carlos Jean se ha conseguido un disco sólido y contundente... con actitud, con mucha actitud; y sobre todo, lo que más importa: con grandes canciones.

Nacho Vegas:

Hablar de Nacho Vegas (09/12/74) es hablar de uno de los talentos más sobresalientes que ha dado España, más concretamente Asturias, más concretamente Gijón. Alguien que se presenta con su nombre y apellido por primera vez en la portada de un disco, "Actos inexplicables" y que pese a su juventud, ha sido protagonista de alguno de los momentos más interesantes en el panorama musical de la pasada década.
Desde que la urgencia juvenil le llevara a coger una guitarra como medio de expresión y esconder su timidez tras una melena rubia como miembro de Eliminator Jr, Nacho Vegas no ha cesado en su búsqueda por caminos antes no transitados, ya sea vía los grupos en los que ha militado, en las colaboraciones que junto a otros artistas ha llevado a cabo o en la relación natural que su música tiene con la pantalla, tanto grande como pequeña.
Años de agitación, en los que compañeros de generación (en algunos casos incluso de local de ensayo) aparecieron en forma de bocanada de aire fresco para dar una bofetada al anquilosado panorama pop, cargado de viejas glorias amarradas a su sillón.
Grupos como Los Planetas, Australian Blonde, Nosoträsh, Penélope Trip o Manta Ray, banda de la que Nacho Vegas fue miembro fundador y a la que imprimió su personal estilo, abriendo fronteras, abriendo puertas. Posteriormente y de manera paralela a su última etapa en Manta Ray, Nacho Vegas desarrolló su vena más lírica junto al poeta y director Ramón Lluis Bande en Diariu, dejando constancia de su orgullo por su procedencia geográfica.
Llevado por la necesidad de expresión Nacho Vegas dejó Manta Ray para bucear en su mundo interior, para presentarse en solitario, que no solo, para ofrecernos su compromiso con la sensibilidad y la sinceridad, para dar un nuevo enfoque a la figura del cantautor rock, para continuar su viaje.
Dylan, Cohen, Oldham, Drake, Van Zandt, Alfaro con permiso, Nacho Vegas se apunta al viaje, por supuesto, solo de ida.

The Garb:

Germán Burgos / The Garb vuelve a la carga otra vez lleno de ilusiones y de expectativas, el patrón vuelve a ponerse detrás de la barra.
Nos referimos a Germán Burgos, dedicado de lleno ya a su otra pasión, la música, y que nos ofrece en esta entrega lo que marcará con su gran trayectoria musical un antes y un después de ABISMOS.
Este nuevo trabajo contiene todo el Rock'N'Rol con toques de blues, baladas, ritmos Rolling y toda la furia contenida desde hace mucho tiempo por su líder Germán Burgos.
Cuenta colaboraciones de grandes figuras musicales de relevancia mundial: Mago de Oz , Javier Vargas, Pancho Varona, Carlos Sainz y Paloma Ramón.
Tras todos los grandes éxitos cosechados en sus anteriores trabajos, Jaque al Rey, Fasolera de Tribunas y Líneas Calientes -recordar que este es el 4º trabajo de The Garb.
Volvemos a subir a los ABISMOS.

La Buena Vida:

La Buena Vida es una banda de pop formada en San Sebastián. Sus componentes tienen un gran nivel técnico como músicos y compositores, y una vasta cultura musical.
A la salida del concierto-fundación del madrileño sello Siesta en julio de 1992, La Buena Vida ya es uno de los buques insignia del sello, por sonido, actitud e imagen. Sus albums -"Historia de un verano", "Soidemersol", "Panorama"...- les muestran cada vez más firmes en el estudio y en el escenario.
La Buena Vida toma como fuente de inspiración a Gainsbourg, Saint Etienne, Sandy Shaw, The Beatles, Jaques Brel, Burt Bacharach, Nino Rota, Nick Drake, Astrud Gilberto, Marvin Gaye, New Order, Carpenters, Velvet Underground, Beach Boys...

Renochild:

Renochild es el proyecto vital de cinco jóvenes músicos sevillanos con el punto de mira en lo más alto del Rock'n'Roll.
La transparencia y la honestidad. La emoción, la contundencia y la delicadeza. La candidez y la ironía. Renochild crea melodías insospechadas que harán que desees saber más de cada una de las diferentes parábolas que su música describe.
Evolucionan desde un Rock distorsionado y repleto de adolescencia no asumida. Pero pronto la inquietud musical, casi existencial del grupo, les lleva a afilar constantemente sus intenciones musicales. Entonces aparecen la referencias emocionales y líricas que Renochild necesitaba para sentirse cómodo en un género inusual en España. De repente las canciones calculan trayectorias completamente distintas a las que hasta el momento habían recorrido y la intensidad y la emoción en cada una de las composiciones desplaza a la saturación y las voces rasgadas. La gama de efectos de guitarra se incrementa de forma incontenible y los teclados, inexistentes hasta ese momento, se rebelan como base fundamental de muchas de las canciones. Son ahora bandas como Doves, Radiohead, Coldplay, Maga o Los Planetas las que desde el mundo del Pop influirán en Renochild; además de éstos, desde otros estilos, bandas como Mogwai, Sigur Ros, Godspeed You! Black Emperor, A Silver Mt. Zion o DoMakeSayThink comienzan a influenciar a Renochild.
Shuttle es el primer disco de Renochild y estará disponible en todo el territorio nacional en Mayo. Ha sido grabado en los estudios del sello británico Pulpo Negro Records en Murcia y ha contado con la producción de Tim Oldfield y Robbie France (que ha trabajado a lo largo de su carrera con artistas como Björk, Skunk Anansie, Alphaville o Rod Stweart).
Pero Renochild muestra su dimensión más intensa en concierto. La evolución y madurez del grupo encima del escenario se hace patente y tras haber acompañado en directo a bandas como The Clientele, Maga o Sexy Sadie, comienzan su camino con un álbum intenso bajo el brazo. La crudeza sentimental, la desnudez y la transparencia de las composiciones se hacen argumentos fundamentales en un inusual disco de debut, en el que cada canción irradia su propia personalidad.
El directo de Renochild juguetea entre la contundencia de Mogwai, la delicadeza de Sigur Ros o la plasticidad de Radiohead y Coldplay, asimilando lo mejor de cada forma de entender la música y Polar Shelter , primer single del disco, es una clara declaración de intenciones de hacia dónde caminará el álbum...
Desde la oscuridad aparentemente electrónica de Insecure hasta el realismo y la cotidianeidad orgánica de Everything's fine ; desde la inesperada esencia Pop de I would Follow You a la tristeza desbordada de Ego Panic .
Renochild no es un grupo más de tantos. Renochild es el próximo gran nombre del Rock Nacional.